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La música funciona fundamentalmente en dos ideas: Tensión y Liberación. La idea es crear alguna forma de estrés emocional y luego romperlo, lo que crea una sensación de euforia. Con eso en mente, la tensión es realmente uno de los elementos más importantes de la canción. Sin la tensión, no hay altibajos. No hay anticipación. La historia de la canción cae plana. Usamos la tensión para llevar una parte de la canción a la siguiente. Aquí hay cuatro tipos de tensión y algunas técnicas de acompañamiento.
Tensión musical
La tensión musical proviene de la relación de tono. Nuestra armadura de tonalidad se define por un acorde fundamental (El acorde I que contiene la nota tónica de la tonalidad). Esta es nuestra «base» musical. Este acorde y acordes que comparten notas similares son muy cómodos para el oyente. Luego tenemos acordes que realmente chocan con nuestro acorde fundamental.
Por ejemplo, un acorde de siete, dos o cuatro. Son acordes que comparten muy pocas notas con nuestro acorde fundamental. Psicológicamente queremos escuchar las notas de nuestro acorde fundamental, por lo que los acordes que comparten pocas notas nos ponen tensos. Queremos que se resuelvan y vuelvan a la zona de confort. Así que incorporar estos acordes a nuestra progresión es una gran manera de crear tensión.
Podemos utilizar esta tensión musical para crear transiciones, como pasar al acorde de cuatro o siete acordes como medio de salir del verso. Hacemos que el oyente quiera ese acorde fundamental que genera anticipación y lo mantiene conteniendo la respiración. Luego nos resolvemos de nuevo en nuestro acorde fundamental cuando aterrizamos en nuestro coro.
Imagine que está en el acorde de cinco de su escala, pero debajo del lecho musical principal hay un teclado de cuerda que agrega una nota que no pertenece al acorde. Si empezamos a automatizar el teclado de cuerdas para subir de nivel, la discordancia será más frecuente. De esta manera, como mezcladores, estamos utilizando la automatización de nivel para crear tensión.
Si no tenemos tensión musical incorporada en el arreglo (y sentimos que se necesita algo), podemos usar algo como un cambio de tono para crear notas que no estaban allí para empezar. Esto funciona muy bien en fuentes monofónicas, como crear armonías falsas en una voz.
Tensión rítmica
En una canción, generalmente tenemos una estructura rítmica específica que crea un patrón hipnótico a través de la repetición. Este patrón hace que el oyente se sienta cómodo. Si de repente rompemos ese ritmo, crea tensión porque ya no estamos en ese trance. Nos volvemos adictos a ese patrón y deseamos escucharlo de nuevo. En la etapa de postproducción, tenemos la capacidad de alterar el ritmo en secciones, podemos cortar una sección de batería y / o bajo. O podemos copiar, pegar y reorganizar físicamente en algo que es diferente momentáneamente, lo que puede crear un efecto discordante.
Una de nuestras herramientas más potentes al mezclar es el botón de silencio. A pesar de que es una idea de arreglo, todavía podemos usarla en la mezcla para crear tensión. También podemos usar un delay en un elemento rítmico/tambor específico para crear rellenos, alterando efectivamente el patrón rítmico.
Tensión sónica
En sonics, demasiado de algo que está fuera de equilibrio puede ser incómodo e incluso doloroso o distraer. Pero en un corto período de tiempo, puede volverse tenso. Si, por ejemplo, tomaras toda la pista de batería y cortaras toda la gama baja; si dejaras la pista de batería de esa manera, se sentiría delgada e interrumpiría el impacto rítmico. Sin embargo, si lo hicieras por un corto período de tiempo, crearíamos tensión porque el oyente quiere que el extremo inferior regrese.
Escuchamos que todo el tiempo en la música EDM cuando se usa un filtro para cortar los mínimos y luego los devuelve lentamente, y cuando lo hace crea una sensación de liberación.
Otro ejemplo de esto sería la distorsión. Imagina una voz cantando y a medida que avanza se vuelve más y más distorsionada. Comienza limpio y se vuelve más confuso y confuso. Doloroso incluso por un corto período de tiempo. Ahora imagina que la voz de repente se vuelve clara de nuevo. Aquí tenemos otro tipo de tensión y liberación. Esta idea también se puede aplicar a elementos musicales.
Delay y reverb también pueden ser excelentes para crear tensión. Esto puede funcionar de dos maneras. Quitar todo el ambiente de su mezcla puede hacer que las cosas se sientan incómodamente crudas/duras, lo que a su vez crea tensión. O bien, hacer que algo resuene excepcionalmente o tirar de los retrasos puede hacer que algo se sienta desordenado y borroso, lo que también crea tensión.
Aquí hay algunos consejos que puede usar para incorporar fácilmente estas ideas en su mezcla:
Coloque FilterFreak en su bus de instrumentos y configure un filtro de paso alto de rampa ascendente. Configure el espectro de frecuencia para que comience a partir de 0 Hz y aumente hasta 20 kHz. Establece la velocidad para cubrir el número de medidas que se necesitan para que tu verso pase a tu gancho, pre-estribillo a gancho, o lo que quieras. Automatice el bypass para que FilterFreak solo entre en su transición, de esta manera, a medida que la transición se lleva a cabo, todos los extremos bajos de la mezcla desaparecen de todo, excepto de la voz.
Puedes hacer algo similar con cualquier filtro de paso alto, pero me gusta FilterFreak porque es muy fácil modificar esta técnica para crear tu propio giro al conducir la señal para saturar o jugar con la resonancia. Puede obtener muchos artefactos de filtro «analógicos» que suenan muy bien muy rápidamente.
Cree un aux con la distorsión pesada en él. Envíe sus tambores, bajos e instrumentos musicales principales a esa aux y baje la señal seca hasta el fondo. Configure la unidad para que sea agresiva y se rompa sin destruir por completo la integridad armónica de los instrumentos. Baje el volumen de la aux hasta el fondo y configure el nivel para automatizar. Viaja en la distorsión en cualquier lugar que se beneficie de una tensión adicional(sutilmente para sentir o agresivamente para empujar al oyente).
Habilita la automatización de nivel de todos tus canales de reverberación y retardo. Dependiendo del efecto que quieras crear, enrolla el ambiente hacia arriba o hacia los puntos de inflexión de tu canción. No es una mala idea recorrer sus ambientes de maneras sutiles, ya que la presencia de una reverberación o delay puede influir en la forma en que se siente una frase, particularmente en la voz.
Tensión de sensación
La tensión de «sensación» es un subconjunto de tensión sónica, pero quizás un poco más sutil. Hay ciertas cualidades en un sonido que pueden crear tensión simplemente por existir. Ciertos rangos de tonos y el contorno específico de la dinámica pueden hacer que las cosas se sientan muy tensas.
Por ejemplo, nuestros oídos son muy sensibles al rango de presencia del espectro de frecuencias. El rango de 1-4 kHz realmente entra en el oído. Exagerar este rango puede hacer que algo se sienta muy tenso, impartiendo una sensación de estridencia o urgencia. Quitar los medios inferiores puede crear un efecto similar: ese rango tiende a ser donde viven los aspectos más redondos y espaciosos de un instrumento, y grabarlos puede crear una sensación de frialdad. De esta manera, un ecualizador puede convertirse en un control emocional, no solo sonoro.
Dinámicamente podemos hacer que las cosas se sientan tensas de dos maneras distintas. Una forma es sobre comprimir una fuente. Incluso si estamos libres de artefactos, la sensación de resistencia en una señal crea inherentemente una sensación de tensión. La próxima vez que trabajes en una voz de Hard Rock o Rap, intenta agarrar un compresor de rodilla blanda como el Fabfilter Pro-C 2. Baje el umbral y establezca la relación muy baja, como 1.5: 1. Esto pondrá «resistencia» continua sobre la voz y creará una sensación distinta de tensión que implica lucha o conflicto.
Por el contrario, la dinámica muy suelta puede crear tensión. Los sonidos que entran y salen interrumpen el flujo de una canción y crean tensión a través de un efecto discordante. Si hay eventos de una sola vez incorporados en el arreglo, a veces me gusta subirlos un poco demasiado alto para abofetear un poco al oyente. O, simplemente automatizando un golpe de tambor en particular, cualquier otro compás puede actuar como un pequeño sonajero para sacudir las cosas. Una forma divertida de hacer esto es tomar un compresor realmente agresivo como el CLA-76, golpear su caja a través de él y luego automatizar el CLA-76 para des-bypass en los cuatro tiempos de cada otro compás.
Puntos de bonificación si coloca un ajuste de baja difusión de DVerb como inserto frente al CLA – 76 para obtener un efecto de «disparo de pistola». Mezclé un disco hace años con este montaje, por lo que había una caja crujiente predecible al final de cada compás, pero dejé caer la última caja del verso justo antes del estribillo. Esto creó la expectativa de este golpe discordante, y luego se lo llevó, creando varias capas de tensión. Automaticé el compás bajo del coro para que entrara extra fuerte, y así ese frasco volvió para crear una sensación de impacto y emoción.
La tensión y la manipulación de la tensión y la liberación es probablemente el aspecto más importante de cómo un oyente experimenta una grabación. Es importante reconocer esto en todos los niveles, desde las notas hasta el groove y la mezcla. También es importante reconocer que la interpretación, la música y la mezcla están integralmente relacionadas y trabajan hacia la misma idea para darle al oyente la sensación más completa de la canción.
