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La musica funziona fondamentalmente su due idee: Tensione e rilascio. L’idea è quella di costruire una qualche forma di stress emotivo e poi romperlo, che crea una sensazione di euforia. Con questo in mente, la tensione è davvero uno degli elementi più importanti della canzone. Senza la tensione, non c’è su o giù. Non c’è anticipazione. La storia della canzone cade piatta. Usiamo la tensione per condurre una parte della canzone nella successiva. Qui ci sono quattro tipi di tensione e alcune tecniche di accompagnamento.
Tensione musicale
La tensione musicale deriva dalla relazione di intonazione. La nostra firma di chiave è definita da un accordo fondamentale (L’accordo I contenente la nota tonica della chiave). Questa è la nostra “base”musicale. Questo accordo e accordi che condividono note simili sono molto comodi per l’ascoltatore. Poi abbiamo accordi che si scontrano davvero con il nostro accordo fondamentale.
Ad esempio un accordo di sette, due accordi o un accordo di quattro. Questi sono accordi che condividono pochissime note con il nostro accordo fondamentale. Psicologicamente vogliamo sentire le note del nostro accordo fondamentale, quindi gli accordi che condividono poche note ci rendono tesi. Vogliamo che si risolvano e tornino alla zona di comfort. Quindi incorporare questi accordi nella nostra progressione è davvero un ottimo modo per creare tensione.
Possiamo utilizzare questa tensione musicale per creare transizioni, come passare all’accordo di quattro o sette accordi come mezzo per uscire dal verso. Facciamo in modo che l’ascoltatore desideri quell’accordo fondamentale che costruisce l’anticipazione e li tiene trattenendo il respiro. Abbiamo poi risolvere di nuovo sul nostro accordo fondamentale quando atterriamo nel nostro coro.
Immagina di essere sui cinque accordi della tua scala, ma sotto il letto musicale principale c’è un pad di corde che aggiunge una nota che non appartiene all’accordo. Se iniziamo ad automatizzare il pad stringa a venire in livello che rende la discordanza più prevalente. In questo modo, come miscelatori, stiamo usando l’automazione di livello per creare tensione.
Se non abbiamo la tensione musicale incorporata nell’arrangiamento (e sentiamo che ne abbiamo bisogno), possiamo usare qualcosa come un pitch-shifter per creare note che non erano lì per cominciare. Questo funziona molto bene su fonti monofoniche, come creare false armonie su una voce.
Tensione ritmica
In una canzone, di solito abbiamo una struttura ritmica specifica che crea uno schema ipnotico attraverso la ripetizione. Questo modello culla l’ascoltatore in una zona di comfort. Se improvvisamente rompiamo quel ritmo crea tensione perché non siamo più in quella trance. Diventiamo dipendenti da quel modello e il desiderio di sentire di nuovo quel modello. Nella fase di post-produzione, abbiamo la possibilità di alterare il ritmo in sezioni, possiamo tagliare una sezione di batteria e o basso. Oppure possiamo fisicamente copiare, incollare e riorganizzare in qualcosa che è diverso momentaneamente che può creare un effetto stridente.
Uno dei nostri strumenti più potenti durante la miscelazione è il pulsante mute. Anche se è un’idea di arrangiamento, possiamo ancora usarlo nel mix per creare tensione. Possiamo anche usare un delay su uno specifico elemento tamburo / ritmico per creare riempimenti, alterando efficacemente il pattern ritmico.
Tensione sonora
In sonics, troppo di qualcosa che è fuori equilibrio può essere scomodo ed essere anche doloroso o distrazione. Ma per un breve periodo di tempo, può diventare teso. Se, per esempio, si dovesse prendere l’intera traccia di batteria e tagliare fuori tutta la fascia bassa; se hai lasciato la traccia di batteria in quel modo si sentirebbe sottile e interrompere l’impatto ritmico. Tuttavia, se lo facessi per un breve periodo di tempo creeremmo tensione perché l’ascoltatore vuole che la fascia bassa ritorni.
Sentiamo che tutto il tempo nella musica EDM quando un filtro viene utilizzato per tagliare i bassi e poi lentamente lo riporta indietro, e quando lo fa crea una sensazione di rilascio.
Un altro esempio di questo sarebbe distorsione. Immagina un canto vocale e mentre sta andando diventa sempre più distorto. Inizia pulito e diventa più confuso e poco chiaro. Doloroso anche per un breve periodo di tempo. Ora immagina che la voce improvvisamente diventi di nuovo chiara. Qui abbiamo un altro tipo di tensione e rilascio. Questa idea può essere applicata anche agli elementi musicali.
Ritardo e riverbero può anche essere grande per la creazione di tensione. Questo può funzionare in due modi. Prendendo tutto l’ambiente lontano dal tuo mix può rendere le cose a disagio sensazione cruda / stark, che a sua volta crea tensione. Oppure, fare qualcosa di eccezionalmente riverberante o tirare su ritardi può far sentire qualcosa ingombra e sfocata, che crea anche tensione.
Ecco alcuni suggerimenti che è possibile utilizzare per incorporare facilmente queste idee nel vostro mix:
Mettere FilterFreak sul bus strumento e impostare una rampa fino filtro passa-alto. Impostare lo spettro di frequenza a partire da 0 Hz e rampa fino a 20 kHz. Impostare il tasso per coprire il numero di misure necessarie per il vostro verso di transizione nel vostro gancio, pre-coro di agganciare, o quello che vuoi. Automatizza il bypass in modo che FilterFreak entri solo per la tua transizione, in questo modo mentre la transizione sta avvenendo, tutta la fascia bassa del mix sta scomparendo da tutto tranne la voce.
Puoi fare qualcosa di simile con qualsiasi filtro passa-alto, ma mi piace FilterFreak perché è molto facile modificare questa tecnica per creare il tuo spin guidando il segnale per saturare o scherzare con la risonanza. È possibile ottenere un sacco di artefatti filtro “analogico” che suonano molto cool molto rapidamente.
Creare un aux con la distorsione pesante su di esso. Invia la tua batteria, basso e strumenti musicali principali a quella aux e girare il segnale secco tutta la strada verso il basso. Impostare l’unità per essere aggressivo e rotto senza distruggere completamente l’integrità armonica degli strumenti. Tirare il volume del aux tutta la strada verso il basso e impostare il livello per automatizzare. Cavalca la distorsione ovunque che trarrebbe beneficio da una tensione aggiuntiva (sottilmente per sentire o aggressivamente per spingere davvero l’ascoltatore).
Abilita l’automazione del livello di tutti i canali di riverbero e delay. A seconda dell’effetto che si desidera creare, arrotolare l’atmosfera verso l’alto o via in punti di inflessione nella vostra canzone. Non è una cattiva idea guidare i tuoi ambienti in modo sottile a prescindere, poiché la presenza di un riverbero o di un ritardo può influenzare il modo in cui viene percepita una frase, in particolare sulla voce.
Sentire la tensione
“Sentire” la tensione è un sottoinsieme della tensione sonora, ma forse un po ‘ più sottile. Ci sono alcune qualità di un suono che può creare tensione semplicemente esistendo. Alcune gamme di tono e il contorno specifico delle dinamiche possono far sentire le cose molto tese.
Ad esempio, le nostre orecchie sono estremamente sensibili alla gamma di presenza dello spettro di frequenza. La gamma di 1-4 kHz arriva davvero nell’orecchio. Esagerare questa gamma può far sentire qualcosa di molto teso, impartendo una sensazione di stridore o urgenza. Rimuovere i medi inferiori può creare un effetto simile-quella gamma tende ad essere dove vivono gli aspetti roomier rounder di uno strumento, e l’incisione può creare una sensazione di freddezza. In questo modo, un EQ può diventare un controllo emotivo, non solo sonoro.
Dinamicamente possiamo far sentire le cose tese in due modi distinti. Un modo è quello di comprimere eccessivamente una fonte. Anche se siamo privi di artefatti, la sensazione di resistenza su un segnale crea intrinsecamente un senso di tensione. La prossima volta che stai lavorando su una voce Hard Rock o Rap, prova ad afferrare un compressore soft-knee come il Fabfilter Pro-C 2. Tirare la soglia verso il basso e impostare il rapporto molto basso, come 1.5:1. Ciò metterà una continua “resistenza” sulla voce e creerà una distinta sensazione di tensione che implica lotta o conflitto.
Viceversa, dinamiche molto allentate possono creare tensione. Suoni che scoppiano dentro e fuori interrompono il flusso di una canzone e creano tensione attraverso un effetto stridente. Se ci sono eventi una tantum incorporati nella disposizione a volte mi piace alzare solo un po “troppo forte per tipo di schiaffo l “ascoltatore un po”. Oppure, semplicemente automatizzando un particolare tamburo colpire ogni altra barra può agire come un piccolo sonaglio per scuotere le cose. Un modo divertente di fare questo è quello di prendere un compressore davvero aggressivo come il CLA-76, sbattere il rullante attraverso di essa, e quindi automatizzare il CLA-76 per un-bypass sui quattro battito di ogni altra misura.
Punti bonus se si inserisce un’impostazione a bassa diffusione di DVerb come inserto davanti al CLA-76 in modo da ottenere un effetto “gun-shot”. Ho mescolato un disco anni fa con questo set up in corso, quindi c’era un prevedibile rullante alla fine di ogni altro bar — ma ho lasciato cadere l’ultimo rullante del verso proprio prima del ritornello. Questo ha creato l’aspettativa di questo colpo stridente, e poi lo ha portato via, creando diversi strati di tensione. Ho automatizzato il downbeat del coro per calciare extra hard, e così quel barattolo è tornato per creare una sensazione di impatto ed eccitazione.
La tensione e la manipolazione della tensione e del rilascio è probabilmente il singolo aspetto più importante di come un ascoltatore sperimenta una registrazione. È importante riconoscerlo ad ogni livello, dalle note, al groove,al mix. È anche importante riconoscere che la performance, la musica e il mix sono tutti integralmente correlati e lavorano verso la stessa idea per dare davvero all’ascoltatore la sensazione più completa della canzone.
