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Gioiellieri sono un gruppo inquieto e curioso. Non contenti di produrre gioielli sontuosi, lo spruzzano con sostanze chimiche, lo immergono negli acidi o lo bruciano solo per vedere cosa succede. In una buona giornata, ciò che accade è metallo colorato. Tuttavia, l’imprevedibilità, la potenziale tossicità e la gamma di colori tenui di queste patine hanno spinto un gruppo di gioiellieri estranei a sperimentare nuovi modi per mettere il colore al suo posto: su sterling, rame, alluminio e acciaio. Invece di raggiungere prodotti chimici, acidi o calore, questi coloristi improvvisano con materiali low-tech e sperimentano nuove tecniche di colorazione che accolgono la spontaneità nella creazione di gioielli.

Bracciale Junction di Lulu Smith, con resina pigmentata in argento sterling.
Foto: Douglas Yaple.

Alumin – ating

Quando il regista Federico Fellini disse: “Se i metalmeccanici non sognavano, ci sarebbe stato solo un pezzo di metallo”, avrebbe potuto descrivere i gioielli di Jane Adam. Se Adam non avesse colorato i suoi gioielli, ci sarebbe solo un pezzo di alluminio.

“Ho iniziato a lavorare con l’alluminio quando ero uno studente a Londra. Certamente in questo paese c’è stato un movimento negli anni ’70 verso nuovi materiali e nuovi mezzi per esprimere i nuovi gioielli”, dice Adam. “Questo è ciò che ha catturato la mia immaginazione perché ero sempre interessato al colore e ai modelli e non particolarmente interessato al tipo di preziosità e allo status dei gioielli preziosi. Volevo fare qualcosa di un po ‘ più nuovo.”

Una spilla di alluminio monoprinted e tinto e filo di acciaio inossidabile da Jane Adam.
Foto: Joel Degen.

Questo è un eufemismo. Adam è riuscito a fare l’impensabile: trasformare un materiale industriale senza valore in un’opera d’arte cangiante e indossabile. Dopo 20 anni di sperimentazione, Adam ha sviluppato molti nuovi modi di applicare e sigillare il colore sull’alluminio, una tecnica il cui tempo è chiaramente arrivato.

“L’alluminio tendeva ad essere visto come un materiale industriale, e così pochissime persone lo usavano come mezzo alternativo in studio. Il mio interesse sembra essere pattern e mark making, stratificazione di colori e texture. Ho scoperto che ci sono molte, molte tecniche di mark-making adatte all’alluminio, se sai come applicarle”, dice Adam.

L’alluminio Adam di solito funziona su arriva anodizzato, pronto per essere segnato e verniciato. L’anodizzazione è il processo elettrochimico che conferisce all’alluminio uno strato superficiale duro e trasparente di ossido di alluminio. Questo strato incolore assorbe in modo permanente i coloranti e gli inchiostri Adam daubs, stampe e timbri con timbri di gomma.

“Il segreto per sigillare i colori – e non è un segreto, è un processo industriale abbastanza standard – è che è l’acqua bollente che causa la reazione chimica che lo sigilla. Il trucco è che l’anodizzazione avviene prima di tutto”, dice Adam.

Lavorare con l’alluminio è una sfida perché, sebbene possa essere saldato, è molto difficile ottenere buoni risultati una volta anodizzato. Adam risolve il problema utilizzando connessioni fredde per combinare elementi in alluminio con argento, oro o acciaio inossidabile. Trova questa restrizione importante in quanto richiede soluzioni creative e aggiunge stimoli visivi al suo lavoro.

Spilla anemone, in alluminio tinto di Jane Adam.
Foto: Jane Adam.

“L’alluminio è la mia tela. Penso di cambiarlo, ma finora, questo materiale è andato con me e ogni volta che ho provato qualcosa di nuovo o andato in una direzione diversa, mi ha permesso di esprimerlo e ho trovato il modo di lavorare con esso. È versatile come carta o tessuto, ha infinite possibilità per la decorazione e la creazione di marchi ed è economico. L’intero valore del pezzo sta nel mio lavoro, piuttosto che nel valore intrinseco del materiale, che è più importante per me.

“Penso che in questi giorni ci sia una maggiore accettazione dei gioielli in materiale non convenzionale come l’alluminio perché le persone sono abituate a vederlo. E stanno cercando qualcosa di un po ‘ diverso. Forse sono disposti a spendere un po ‘ di più su qualcosa che vedono come bello, ma non per ragioni convenzionali. I gioielli sono divertenti. Certamente nel Regno Unito, quando le persone guardano gioielli pensano in termini di lingotti, o quanto costano i materiali. Non c’è altra forma d’arte in cui ciò accada: le persone non guardano un dipinto e pensano che debba costare almeno £1.000 in pittura ad olio. Si tratta di spostare le persone verso la comprensione che, ed è per questo che sto scrivendo un libro sulla colorazione alumiunum anodizzato.”dice Adam.

Matite colorate e pazienza

Deb Karash applica il colore al rame in modo lento, usando matite colorate e pazienza. Satura il metallo colpo dopo colpo, stratificando e colorando fino a raggiungere una profondità vellutata in cui rivetti in ottone brillano come gioielli incastonati. Karash è stata sedotta dal colore alla fine degli anni ‘ 90, quando ha iniziato a introdurre con cautela il colore nei suoi gioielli con le pietre. Le tonalità variegate all’interno di un unico colore, in particolare il mix di verde, oro e ruggine del turchese l’hanno ispirata a provare a riprodurre il colore su metallo usando matite colorate.

Spille di Deb Karash.
I suoi gioielli sono costruiti su una base di argento, che contiene i risultati, mentre uno strato di rame si trova in cima, tenendo il colore, che viene applicato con matite colorate.
Foto: Larry Saunders.

“Dopo un po’ mi sono divertito a colorare così tanto che non avevo più bisogno delle pietre, volevo solo colorare il metallo. È così che è iniziato. Ora tutto il colore nel mio lavoro è matita colorata. Non sono un fanatico del colore – la mia casa è neutra e indosso il nero. Volevo semplicemente fare qualcosa di diverso alle superfici metalliche. Quando ho iniziato a usare la matita, il problema più grande era come aderire il colore alla superficie. Sapevo che altre persone usavano la matita colorata su metallo, ma non ho avuto il coraggio di chiamarli per chiedere come hanno fatto”, ride Karash.

Spille di Deb Karash.
Foto: Larry Saunders.

Colorare il metallo è solo metà del problema; l’altra metà è mantenerlo acceso. Karash ha sperimentato la stratificazione del colore per cinque anni e, lungo la strada, ha scoperto un modo per sigillare il colore in modo permanente. Il suo processo in 30 fasi inizia con il disegno su rame strutturato che è stato patinato chimicamente verde. All’inizio, Karash applicò il colore con parsimonia, permettendo alla patina di aggiungere un aspetto affrescato ai suoi pezzi. Ora, il colore della matita a strati è così denso che nasconde completamente la patina.

I gioielli di Karash sono a due piani: l’argento è lo strato inferiore che trasporta tutti i risultati e il rame si trova in cima, tenendo il colore. Utilizza più sfumature di matite Prismacolor per creare un colore, sfumature con matita nera e spray fissativo tra gli strati. Lo strato finale è sigillato con cera rinascimentale e rivetti in ottone applicati per tenere insieme i due strati.

“Gioielli, per me, è davvero di intimità. Finestre, stratificazioni e texture sono metafore del mistero e della ricchezza delle personalità. I gioielli diventano parte della vita e delle storie delle persone. Mi piace partecipare alla marcatura di eventi significativi nella loro vita e ascoltare le storie che mi raccontano i loro gioielli. Nel corso della storia gli esseri umani si sono adornati in vari modi. Mi sento parte di quella storia, anche se in modo molto piccolo. Traggo ispirazione da texture naturali, fibra, pietra e pittura e scultura a tecnica mista. Superficie, colore e texture sono importanti per il mio lavoro come lo sono le forme stesse.”

I nuovi gioielli di Karash saltano con colori e motivi ispirati ai tessuti vintage degli anni ’40 e ’50

Immergendosi nel Design

I gioielli in filo di Donna D’Aquino, eleganti e minimali, hanno solo tre colori: nero, bianco o rosso. D’Aquino disegna con filo nero al posto del carboncino per creare disegni tridimensionali pensati per essere indossati come gioielli e goduti come arte. Quando non è indossato, consiglia di appendere i gioielli al muro, sotto un’illuminazione che proietta ombre nitide, per trasformare i gioielli in disegni che galleggiano lungo il muro.

D’Aquino ha scelto volutamente il filo nero, un materiale “usa e getta”, per creare bracciali e spille che mettono in discussione la preziosità dei gioielli. Aggiunge colore immergendoli in Plasti Dip®, un materiale industriale che di solito si trova sui manici della pinza.

“Il lavoro che faccio dal 1998 è molto diretto; c’è una saldatura minima, ed è tutto fatto a mano senza essere eccessivamente tecnico. Il mio approccio con il tuffo è esattamente lo stesso. Apro la lattina di Plasti Dip®, la mescolo, immergo il gioiello, poi lo lascio riposare durante la notte”, dice D’Aquino. Lei sottolinea, ” Questo è un materiale altamente tossico per respirare così indosso una maschera.”

Le Spille Scatter di Donna D’Aquino sono realizzate in acciaio e colorate con un tuffo in plastica.
Foto: Ralph Gabriner.

Il lavoro di D’Aquino è stato influenzato dal fascino dell’architettura, dal movimento costruttivista russo dei primi anni del XX secolo e dal movimento della gioielleria moderna o nuova degli anni ’70 in Europa, che ha spinto i confini di ciò che definiva la gioielleria.

“Spoglio i disegni al loro essenziale mentre a volte aggiungo un tocco di giocosità. Io uso un po ‘ di sterling e oro, ma soprattutto sto applicando il colore all’acciaio. Le strutture architettoniche interne ed esterne utilizzate per la costruzione di grattacieli, ponti e torri telefoniche ispirano il mio lavoro. La mia formazione originale era in graphic design-Volevo essere un illustratore, e penso che sia per questo che la maggior parte del mio lavoro è nero, bianco o grigio. L’immersione era un modo per incorporare un tocco di colore. Ho scelto il rosso perché è drammatico, le persone sono attratte da esso e mantiene la qualità grafica del pezzo”, dice D’Aquino.

Resin-ating

Tecnicamente, la resina è colla, il risultato di mescolare lentamente insieme epossidico in due parti costituito da un catalizzatore e un indurente. Una volta guarito, questo mezzo duro può essere perforato, segato e lucidato. È dura ma obbligata, perché la resina accetta il colore in qualsiasi modo provenga: da un tubo di vernice, trucioli di matita o dal portaspezie. Il basso costo, l’accessibilità e le qualità user-friendly della resina smentiscono l’esperienza necessaria per montare la colla e il colore in gioielli eleganti.

Resina meisters Victoria Varga e Lulu Smith hanno continuamente spinto i limiti della resina, creando gioielli infusi di colore con luminosità che sfida la bellezza delle pietre preziose.

Victoria Varga utilizza argento e una varietà di intarsi – resina, mica e pigmenti per colori vivaci, lapis schiacciato, turchese, onice e diaspro mescolato con resina per opachi.
Immagine gentilmente concessa da Victoria Varga.

I gioielli impilati di Victoria Varga sono una parte sterlina e una parte sole. Il bagliore deriva da un mix di resina, foglia d’oro 23 carati, e pietre in polvere su cui Varga galleggia disegni sterling, tecniche che ha sviluppato 15 anni fa.

Il processo inizia sul computer, dove Varga crea un modello di disegni ispirati alla natura. Invia questi per l’incisione e, una volta che riceve le stelle, i cuori, i petali e le foglie acutamente incise, Varga inizia a costruire ogni pezzo. Aggiunge i disegni in argento al tubo a fette, che funge da lunetta, e si riversa in uno strato di resina. Quando si utilizza foglia d’oro, si stabilisce prima uno strato chiaro di resina, poi taglia e applica foglia d’oro 23 carati con un batuffolo di cotone. Una volta che questa cura, aggiunge un altro sottile strato di resina mescolato con mica, su cui versa un ultimo strato di resina.

“Nel 1995, il San Francisco Museum of Art mi ha chiesto di creare più motivi geometrici basati sull’architettura del loro nuovo museo di Mario Botta. In questi giorni, ho modificare e distorcere le immagini per creare pulito, grafica audace. Il mio nuovo lavoro è ispirato agli scudi africani”, dice Varga.

Immagine gentilmente concessa da Victoria Varga.

La resina è la colla che lega il colore alla sterlina. Lega anche intangibili come l’arte, l’ingegno e il controllo del mezzo all’interno della scintilla dei disegni di Varga. La resina può essere semplicemente colla per alcuni, ma è magica quando Varga è finito con esso.

Seattle gioielliere Lulu Smith era alla ricerca di un mezzo che avrebbe combinato il suo background in ceramica e pittura e dare il suo più controllo sul colore, quando ha preso una resina workshop presso la Penland Scuola di Artigianato. Era agganciata. Nel 1998, ha iniziato a creare gioielli in resina in cui il metallo era chiaramente solo un veicolo per il colore.

Smith inizia raccogliendo da otto a 10 pezzi che prevede di colorare in un gruppo di colori, quindi graffia l’interno per una migliore adesione. Piccoli lotti di indurente e resina epossidica vengono mescolati su carta oleata, quindi inizia l’eccitazione. Aggiungendo qualsiasi materiale non a base di olio come colori ad acqua, gouaches, acrilici o pigmenti grezzi dell’artista, Smith può creare qualsiasi colore che va dal traslucido all’opaco. Una volta che il pigmento viene miscelato nella resina, viene versato negli scomparti dei gioielli, che Smith separa con il filo della lunetta. Si asciuga durante la notte, quindi viene macinato piano con una mola abrasiva.

Il lavoro pulito ed esuberante di Smith ottiene le sue profondità vetrose da più versamenti, mescolando molti colori insieme e versando colori in gruppi o “famiglie” che hanno senso insieme. Smith cita un amore per i fumetti giapponesi, che cerca di catturare il movimento nella sua forma ancora, una storia d’amore a lungo termine con “concetti del futuro” e la recente scoperta della sinestesia, come influenze sul suo lavoro. La sinestesia è un’esperienza fisica involontaria in cui una stimolazione evoca la sensazione di un’altra come quando l’udito di un suono produce la visualizzazione dei colori.

“io non sono un classico sinesteta, ma credo che gli artisti, per definizione, hanno un loro linguaggio segreto dei materiali e di idee, e faccio spesso si riferiscono i colori di persone, di idee, di esperienze vissute e sono sicuro che va in quello che faccio su di un certo livello. Lavorare con la resina mi ha incuriosito della plastica e di altri materiali alternativi che si sono resi disponibili durante l’era industriale, e della loro rilevanza e importanza per i gioielli contemporanei. Hanno davvero cambiato l’estetica nel nostro mondo moderno e continueranno a farlo in futuro. È quel vasto sconosciuto che mi eccita davvero-dove andrà il colore nel metalsmithing con l’avvento di tutti questi nuovi mezzi? Per me personalmente, ho visto quanto sia impegnativo lavorare con un nuovo materiale e come colorare fosse davvero una forma d’arte in sé.”

Bracciale Big Pillow, di Lulu Smith, che utilizza resine pigmentate per aggiungere colore all’argento sterling.
Foto: Douglas Yaple.

Imperfetto, impeccabile

Brooke Marks Swanson è una colorista nata. Figlia di artisti che collezionavano antichi giocattoli in metallo serigrafato, il metallo colorato fu la prima ispirazione di Brooke. Non sorprende che abbia scelto di studiare con il metalmeccanico Billie Theide, che ha usato mezzi insoliti come la vernice automobilistica per colorare il metallo. Brooke mostra il suo virtuosismo nelle piastrelle che trasforma dal rame ai colori delle uova di robins e dei cieli del Midwest, usando la vernice acrilica.

Brooke prima sgrossatura foglio di rame per una migliore adesione della vernice, poi forma i bordi e saldature gli angoli e le linguette sul retro dei suoi pezzi di parete metallica. Non usa un primer ma applica e rimuove la vernice a mano, levigando tra gli strati. Dieci strati più tardi, Brooke vuole vedere il rame incandescente attraverso strati di vernice. Dopo aver applicato lo strato finale di pigmento, graffia i bordi delle piastrelle con uno strumento ruvido e li richiama con un incisore per rivelare più rame. Una volta che il pezzo raggiunge il look logoro che Brooke sta mirando, sigilla il colore con un massimo di quattro strati di cera rinascimentale, lucidando tra gli strati.

Brooke Marks Swanson trasforma il foglio di rame in piastrelle di rivestimento delicatamente colorate attraverso un accurato processo di applicazione e rimozione della vernice, lucidatura, incisione e persino aggiunta di calligrafia.
Foto per gentile concessione di Brooke Marks Swanson.

“Sono influenzato dalla mappatura basata su griglie e grafici. Traggo ispirazione da vedute aeree di paesaggi che forniscono colori, texture e composizioni. Ho studiato incisione per anni e ho avuto un professore meraviglioso in grad school che mi ha parlato di Wabi-Sabi, la filosofia giapponese che è, in poche parole, sulla bellezza delle cose imperfette, impermanenti e incomplete. Il mio lavoro è sottile e fa riferimento a cose in natura che trovi belle e imperfette. Ero un purista e all’inizio avevo paura di aggiungere vernice al metallo; ora non riesco a smettere di pensare al processo di pittura, rimozione, pittura e disegno sul metallo”, dice Brooke.

Mentre la prima lingua di Brooke è chiaramente il colore, la calligrafia appena decifrabile che sbircia attraverso strati di vernice rivela il linguaggio segreto del suo creatore.

Sei gioiellieri, utilizzando diversi mezzi e tecniche low-tech, arrivano nello stesso luogo: un luogo in cui i gioielli diventano preziosi non a causa di ciò che c’è dentro ma piuttosto di ciò che c’è sopra. Senza la mano dell’artista che guida il mezzo, tutto ciò che abbiamo è un pezzo di metallo.