Techniques de coloration pour les forgerons
Les bijoutiers sont un groupe agité et curieux. Non content de produire des bijoux somptueux, ils les vaporisent de produits chimiques, les trempent dans des acides ou les brûlent juste pour voir ce qui se passe. Un bon jour, ce qui se passe est du métal coloré. Cependant, l’imprévisibilité, la toxicité potentielle et la gamme de couleurs tamisées de ces patines ont poussé un groupe de bijoutiers étrangers à expérimenter de nouvelles façons de mettre la couleur à sa place: sur le sterling, le cuivre, l’aluminium et l’acier. Au lieu de rechercher des produits chimiques, de l’acide ou de la chaleur, ces coloristes improvisent avec des matériaux low-tech et expérimentent de nouvelles techniques de coloration qui accueillent la spontanéité dans la fabrication de bijoux.
Bracelet de jonction Lulu Smith, en résine pigmentée en argent sterling.
Photo : Douglas Yaple.
Alumin-ating
Lorsque le réalisateur Federico Fellini a dit: « Si les métallurgistes ne rêvaient pas, il n’y aurait qu’un morceau de métal », il aurait peut-être décrit les bijoux de Jane Adam. Si Adam ne colorait pas ses bijoux, il n’y aurait qu’un morceau d’aluminium.
» J’ai commencé à travailler avec l’aluminium lorsque j’étais étudiant à Londres. Certes, dans ce pays, il y avait un mouvement dans les années 70 vers de nouveaux matériaux et de nouveaux moyens d’exprimer les nouveaux bijoux « , explique Adam. « C’est ce qui a attiré mon imagination car j’ai toujours été intéressé par la couleur et les motifs et pas particulièrement intéressé par le genre de préciosité et le statut des bijoux précieux. Je voulais faire quelque chose d’un peu plus nouveau. »
Une broche en fil d’aluminium et d’acier inoxydable monoimprimé et teint par Jane Adam.
Photo : Joel Degen.
C’est un euphémisme. Adam a réussi l’impensable : transformer un matériau industriel sans valeur en une œuvre d’art irisée et portable. Après 20 ans d’expérimentation, Adam a développé de nombreuses nouvelles façons d’appliquer et de sceller la couleur sur l’aluminium, une technique dont le temps est clairement venu.
« L’aluminium a tendance à être considéré comme un matériau industriel, et donc très peu de gens l’utilisaient comme support alternatif en studio. Mon intérêt se trouve être la création de motifs et de marques, la superposition de couleurs et de textures. J’ai constaté qu’il existe de très nombreuses techniques de marquage adaptées à l’aluminium, si vous savez les appliquer « , explique Adam.
L’aluminium sur lequel Adam travaille habituellement arrive anodisé, prêt à être marqué et peint. L’anodisation est le processus électrochimique qui donne à l’aluminium une couche superficielle dure et transparente d’oxyde d’aluminium. Cette couche incolore absorbe en permanence les colorants et les encres Adam barbouillent, imprime et tamponne avec des tampons en caoutchouc.
« Le secret pour sceller les couleurs – et ce n’est pas un secret vraiment, c’est un processus industriel assez standard – est que c’est l’eau bouillante qui provoque la réaction chimique qui la scelle. L’astuce est que l’anodisation se produit d’abord « , explique Adam.
Travailler avec de l’aluminium est un défi car, bien qu’il puisse être soudé, il est très difficile d’obtenir de bons résultats une fois anodisé. Adam résout le problème en utilisant des connexions à froid pour combiner des éléments en aluminium avec de l’argent, de l’or ou de l’acier inoxydable. Elle trouve cette restriction importante car elle exige des solutions créatives et ajoute des impulsions visuelles à son travail.
Broche anémone, en aluminium teint par Jane Adam.
Photo : Jane Adam.
» L’aluminium est ma toile. Je pense à le changer, mais jusqu’à présent, ce matériel m’a accompagné et chaque fois que j’ai essayé quelque chose de nouveau ou que je suis allé dans une direction différente, cela m’a permis de l’exprimer et j’ai trouvé des moyens de travailler avec. Il est aussi polyvalent que le papier ou le tissu, offre des possibilités infinies de décoration et de fabrication de marques, et il est bon marché. Toute la valeur de la pièce réside dans mon travail, plutôt que dans la valeur inhérente de la matière, qui est la plus importante pour moi.
» Je pense que de nos jours, il y a une plus grande acceptation des bijoux dans des matériaux non conventionnels comme l’aluminium parce que les gens sont habitués à les voir. Et ils cherchent quelque chose d’un peu différent. Peut-être qu’ils sont prêts à dépenser un peu plus pour quelque chose qu’ils considèrent comme beau mais pas pour des raisons conventionnelles. Les bijoux sont drôles. Certes, au Royaume-Uni, quand les gens regardent les bijoux, ils pensent en termes de lingots ou de coût des matériaux. Il n’y a pas d’autre forme d’art où cela se produit: les gens ne regardent pas une peinture et pensent qu’elle doit avoir coûté au moins 1 000 £ en peinture à l’huile. Il s’agit d’amener les gens à comprendre cela, c’est pourquoi j’écris un livre sur la coloration de l’alumiunum anodisé. » dit Adam.
Crayons de couleur et patience
Deb Karash applique la couleur au cuivre de manière lente, en utilisant des crayons de couleur et de la patience. Elle sature le métal trait par trait, superpose et colore jusqu’à ce que le métal atteigne une profondeur veloutée dans laquelle les rivets en laiton brillent comme des bijoux incrustés. Karash a été séduite par la couleur à la fin des années 90, lorsqu’elle a commencé à introduire prudemment de la couleur dans ses bijoux avec des pierres. Les teintes panachées au sein d’une seule couleur, en particulier le mélange de vert, d’or et de rouille de la turquoise, l’ont inspirée à essayer de reproduire la couleur sur le métal à l’aide de crayons de couleur.
Broches de Deb Karash.
Ses bijoux sont construits sur une base d’argent, qui contient les résultats, tandis qu’une couche de cuivre se trouve sur le dessus, tenant la couleur, qui est appliquée avec des crayons de couleur.
Photo : Larry Saunders.
» Après un moment, j’ai tellement aimé colorier que je n’avais plus besoin des pierres, je voulais juste colorer le métal. C’est comme ça que ça a commencé. Maintenant, toute la couleur de mon travail est un crayon de couleur. Je ne suis pas un fanatique des couleurs – ma maison est neutre et je porte du noir. Je voulais simplement faire quelque chose de différent des surfaces métalliques. Quand j’ai commencé à utiliser le crayon, le plus gros problème était de savoir comment adhérer la couleur à la surface. Je savais que d’autres personnes utilisaient un crayon de couleur sur du métal, mais je n’ai pas vraiment eu le courage de les appeler pour leur demander comment ils le faisaient « , s’amuse Karash.
Broches de Deb Karash.
Photo : Larry Saunders.
Coloriser le métal n’est que la moitié du problème; l’autre moitié le maintient. Karash a expérimenté la superposition de couleurs pendant cinq ans et, en cours de route, a découvert un moyen de sceller la couleur de manière permanente. Son processus en 30 étapes commence par dessiner sur du cuivre texturé qui a été patiné chimiquement en vert. Au début, Karash a appliqué la couleur avec parcimonie, permettant à la patine d’ajouter un aspect de fresque altérée à ses pièces. Maintenant, la couleur du crayon en couches est si dense qu’elle cache complètement la patine.
Les bijoux de Karash sont à deux étages: l’argent est la couche inférieure qui porte toutes les trouvailles, et le cuivre se trouve sur le dessus, tenant la couleur. Elle utilise plusieurs nuances de crayons Prismacolor pour créer une couleur, des nuances avec un crayon noir et des sprays fixateurs entre les couches. La couche finale est scellée avec de la cire Renaissance et des rivets en laiton appliqués pour maintenir les deux couches ensemble.
» Les bijoux, pour moi, c’est vraiment une question d’intimité. Les fenêtres, la superposition et la texture sont des métaphores du mystère et de la richesse des personnalités. Les bijoux font partie de la vie et des histoires des gens. J’aime participer au marquage d’événements importants dans leur vie et entendre les histoires qu’ils me racontent sur leurs bijoux. Tout au long de l’histoire, les humains se sont parés de diverses manières. Je me sens partie intégrante de cette histoire, si ce n’est d’une toute petite manière. Je m’inspire des textures naturelles, de la fibre, de la pierre, de la peinture et de la sculpture à techniques mixtes. La surface, la couleur et la texture sont aussi importantes dans mon travail que les formes elles-mêmes. »
Les nouveaux bijoux de Karash sautent avec des couleurs et des motifs inspirés des tissus vintage des années 40 et 50
Plongeant dans le design
Les bijoux en fil métallique élégants et minimalistes de Donna D’Aquino ne contiennent que trois couleurs: noir, blanc ou rouge. D’Aquino dessine avec du fil noir au lieu du fusain pour créer des dessins en trois dimensions destinés à être portés comme des bijoux et appréciés comme de l’art. Lorsqu’ils ne sont pas portés, elle recommande d’accrocher les bijoux au mur, sous un éclairage qui projette des ombres vives, afin de transformer les bijoux en dessins qui flottent le long du mur.
D’Aquino a délibérément choisi le fil de reliure noir, un matériau « jetable », pour créer des bracelets et des broches qui remettent en question la préciosité des bijoux. Elle ajoute de la couleur en les trempant dans du Plasti Dip®, un matériau industriel que l’on trouve habituellement sur les poignées des pinces.
» Le travail que je fais depuis 1998 est très direct; il y a un minimum de soudure, et tout est fait à la main sans que ce soit trop technique. Mon approche avec le plongeon est exactement la même. J’ouvre la boîte de Plasti Dip®, je la mélange, je trempe les bijoux, puis je la laisse reposer toute la nuit « , explique D’Aquino. Elle souligne: « C’est un matériau très toxique à respirer, alors je porte un masque. »
Les épingles à dispersion de Donna D’Aquino sont en acier et colorées avec une trempette en plastique.
Photo : Ralph Gabriner.
Le travail de D’Aquino a été influencé par une fascination pour l’architecture, le Mouvement Constructiviste russe du début du XXe siècle et le Mouvement de la Joaillerie Moderne ou Nouvelle des années 70 en Europe, qui a repoussé les limites de ce qui définissait la joaillerie.
» Je dépouille les dessins à l’essentiel tout en ajoutant parfois une touche d’enjouement. J’utilise du sterling et de l’or, mais j’applique principalement la couleur à l’acier. Les structures architecturales intérieures et extérieures utilisées pour la construction de gratte-ciel, de ponts et de tours téléphoniques inspirent toutes mon travail. Ma formation initiale était en design graphique – Je voulais être illustratrice, et je pense que c’est pourquoi la plupart de mon travail est en noir, blanc ou gris. Le trempage était un moyen d’incorporer une touche de couleur. J’ai choisi le rouge parce que c’est dramatique, que les gens y sont attirés et que cela maintient la qualité graphique de la pièce « , explique D’Aquino.
Résine-ating
Techniquement, la résine est de la colle, résultat d’un mélange lent d’époxy en deux parties constitué d’un catalyseur et d’un durcisseur. Une fois durci, ce support résistant peut être percé, scié et poli. C’est dur mais contraignant, car la résine accepte la couleur de toutes les manières: d’un tube de peinture, de copeaux de crayon ou du support à épices. Le faible coût de la résine, son accessibilité et ses qualités conviviales démentent l’expertise requise pour fouetter la colle et la couleur dans des bijoux élégants.
Les maîtresses de résine Victoria Varga et Lulu Smith ont continuellement repoussé les limites de la résine, créant des bijoux colorés avec une luminosité qui défie la beauté des pierres précieuses.
Victoria Varga utilise de l’argent et une variété d’incrustations – résine, mica et pigments pour des couleurs vives, lapis broyés, turquoise, onyx et jaspe mélangés à de la résine pour les opaques.
Image reproduite avec l’aimable autorisation de Victoria Varga.
Les bijoux empilés de Victoria Varga sont une partie sterling et une partie sunshine. L’éclat provient d’un mélange de résine, de feuilles d’or 23 carats et de pierres en poudre sur lesquelles Varga flotte des motifs en pierre sterling, des techniques qu’elle a développées il y a 15 ans.
Le processus commence sur l’ordinateur, où Varga crée un modèle de dessins inspirés de la nature. Elle les envoie pour gravure et, une fois qu’elle a reçu les étoiles, les cœurs, les pétales et les feuilles fortement gravés, Varga commence à construire chaque pièce. Elle ajoute les motifs en argent à des tubes tranchés, qui font office de lunette, et verse une couche de résine. Lors de l’utilisation de la feuille d’or, elle dépose d’abord une couche transparente de résine, puis coupe et applique une feuille d’or 23 carats avec un coton-tige. Une fois que cela guérit, elle ajoute une autre fine couche de résine mélangée à du mica, sur laquelle elle verse une dernière couche de résine.
« En 1995, le Musée d’Art de San Francisco m’a demandé de créer des motifs plus géométriques basés sur l’architecture de leur nouveau musée par Mario Botta. De nos jours, je modifie et déforme les images pour créer des graphismes nets et audacieux. Mon nouveau travail s’inspire des boucliers africains « , explique Varga.
Image reproduite avec l’aimable autorisation de Victoria Varga.
La résine est la colle qui lie la couleur au sterling. Il lie également des éléments intangibles tels que l’art, l’ingéniosité et le contrôle du médium dans l’éclat des dessins de Varga. La résine peut être simplement de la colle pour certains, mais c’est magique quand Varga en a fini avec elle.
La joaillière de Seattle Lulu Smith cherchait un médium qui combinerait ses antécédents en céramique et en peinture et lui donnerait plus de contrôle sur la couleur lorsqu’elle a suivi un atelier de résine à la Penland School of Crafts. Elle était accro. En 1998, elle a commencé à créer des bijoux en résine dans lesquels le métal n’était clairement qu’un véhicule de couleur.
Smith commence par collecter huit à 10 pièces qu’elle prévoit de colorer dans un groupe de couleurs puis gratte l’intérieur pour une meilleure adhérence. De petits lots de durcisseur et de résine époxy sont mélangés sur du papier ciré, puis l’excitation commence. En ajoutant n’importe quel matériau à base d’huile comme des aquarelles, des gouaches, des acryliques ou des pigments d’artiste bruts, Smith peut créer n’importe quelle couleur allant du translucide à l’opaque. Une fois le pigment mélangé à la résine, il est versé dans les compartiments des bijoux, que Smith sépare avec du fil de lunette. Il sèche pendant la nuit, puis est broyé à plat avec une meule abrasive.
Le travail exubérant et épuré de Smith tire ses profondeurs vitreuses de multiples coulées, mélangeant de nombreuses couleurs et versant des couleurs en groupes ou en « familles » qui ont un sens ensemble. Smith cite un amour pour la bande dessinée japonaise, qui tente de capturer le mouvement dans sa forme immobile, une romance à long terme avec des « concepts du futur » et une découverte récente de la synesthésie, comme influences sur son travail. La synesthésie est une expérience physique involontaire dans laquelle une stimulation évoque la sensation d’une autre comme lorsque l’audition d’un son produit la visualisation des couleurs.
» Je ne suis pas un synesthète classique, mais je crois que les artistes, par définition, ont leur propre langage secret dans les matériaux et les idées, et je relie souvent les couleurs aux personnes, aux idées ou aux expériences et je suis sûr que cela entre dans ce que je fais à un certain niveau. Travailler avec de la résine m’a rendue curieuse des plastiques et autres matériaux alternatifs qui sont devenus disponibles à l’ère industrielle, ainsi que de leur pertinence et de leur importance pour les bijoux contemporains. Ils ont vraiment changé l’esthétique dans notre monde moderne et continueront de le faire à l’avenir. C’est cette vaste inconnue qui m’excite vraiment – où ira la couleur dans la métallurgie avec l’avènement de tous ces nouveaux médiums? Personnellement, j’ai vu à quel point il était difficile de travailler avec un nouveau matériau et à quel point la coloration était vraiment une forme d’art en soi. »
Bracelet Big Pillow, par Lulu Smith, qui utilise des résines pigmentées pour ajouter de la couleur à l’argent sterling.
Photo : Douglas Yaple.
Imparfaite, Impeccable
Brooke Marks Swanson est une coloriste née. Fille d’artistes qui collectionnaient d’anciens jouets en métal sérigraphié, le métal coloré a été l’inspiration précoce de Brooke. Il n’était guère surprenant qu’elle ait choisi d’étudier avec la métallurgiste Billie Theide, qui utilisait des médiums inhabituels comme la peinture automobile pour colorer le métal. Brooke affiche sa propre virtuosité dans les carreaux muraux qu’elle transforme du cuivre aux couleurs des œufs de robins et du ciel du Midwest, à l’aide de peinture acrylique.
Brooke dégrossit d’abord la feuille de cuivre pour une meilleure adhérence de la peinture, puis forme les bords et soude les coins et les languettes à l’arrière de ses pièces murales en métal. Elle n’utilise pas d’apprêt mais applique et enlève la peinture à la main, en ponçant entre les couches. Dix couches plus tard, Brooke veut voir le cuivre briller à travers des couches de peinture. Après avoir appliqué la dernière couche de pigment, elle gratte les bords des carreaux avec un outil grossier et y repasse avec un graveur pour révéler plus de cuivre. Une fois que la pièce atteint le look usé que Brooke vise, elle scelle la couleur avec jusqu’à quatre couches de cire Renaissance, en la polissant entre les couches.
Brooke Marks Swanson transforme la feuille de cuivre en carreaux muraux aux couleurs délicates grâce à un processus minutieux d’application et d’élimination de la peinture, de polissage, de gravure et même d’ajout de calligraphie.
Photo avec l’aimable autorisation de Brooke Marks Swanson.
» Je suis influencé par la cartographie basée sur des grilles et des tracés. Je m’inspire de vues aériennes de paysages qui fournissent des couleurs, des textures et des compositions. J’ai étudié la gravure pendant des années et j’ai eu un merveilleux professeur à l’école supérieure qui m’a parlé du Wabi-Sabi, la philosophie japonaise qui est, en un mot, sur la beauté des choses imparfaites, impermanentes et incomplètes. Mon travail est subtil et fait référence à des choses dans la nature que vous trouvez belles et qui sont imparfaites. J’étais puriste et j’avais d’abord peur d’ajouter de la peinture au métal; maintenant, je ne peux pas m’arrêter de penser au processus de peinture, de retrait, de peinture et de dessin sur métal « , explique Brooke.
Alors que le premier langage de Brooke est clairement la couleur, la calligraphie à peine déchiffrable qui scrute les couches de peinture révèle le langage secret de son créateur.
Six joailliers, utilisant différents médiums et techniques low-tech, arrivent au même endroit: un lieu où les bijoux deviennent précieux non pas à cause de ce qu’ils contiennent, mais plutôt de ce qu’ils contiennent. Sans la main de l’artiste qui guide le médium, tout ce que nous avons est un morceau de métal.